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SUMMARY:Círculo de lectura y creación fotográfica
DESCRIPTION:Círculo de lectura y creación fotográfica \n“El llano en llamas. Leer para mirar\, mirar para crear” \nCoordinación: Diana Margarita Castillo Aguirre \n Fechas: Del 19 de agosto al 23 de septiembre de 2026.\n Horario: Miércoles de 18:00 a 20:00 h.\n Modalidad: Presencial.\nLa literatura no solo se lee; también se habita\, se observa y se convierte en imagen. ¿Te has imaginado cómo suena Luvina o cómo se ve el peso de Diles que no me maten? \nTe invitamos a nuestro círculo de lectura y creación fotográfica en torno a la obra de Juan Rulfo. A lo largo de cinco sesiones presenciales usaremos la fotografía como una extensión de la lectura para traducir su universo en una mirada propia. Cierre con una exposición colectiva de las creaciones fotográficas de los participantes. \nCupo limitado. En colaboración con el Centro de investigación\, Innovación y Desarrollo de las Artes de la UANL. \nInformes: www.facebook.com/ceiida.uanl
URL:https://cultura.uanl.mx/actividad/circulo-de-lectura-y-creacion-fotografica/
LOCATION:Centro de Investigación\, Innovación y Desarrollo de las Artes UANL.\, Praga S/N\, CAMPUS MEDEROS\, 64930 Monterrey\, N.L.\, Monterrey\, Nuevo León\, 64930\, Mexico
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SUMMARY:Ciclo de cine: septiembre mexicano y Rulfiano
DESCRIPTION:2 de septiembre \nEl gallo de oro \nDir. Roberto Gavaldón \nGuion: Carlos Fuentes\, Gabriel García Márquez\, Roberto Gavaldón. Historia: Juan Rulfo \nMéxico \n1964 \nEl humilde pregonero Dionisio recibe un gallo dorado moribundo al cual logra revivir con sus cuidados. Al jugarlo en la feria de San Juan del Río\, el gallo vence a uno del gallero Lorenzo Benavides\, figura importante de los palenques y amante de “la Caponera”. Impresionado por la mujer\, Dionisio le atribuye una influencia mágica en su victoria. Lorenzo intenta por todos los medios comprarle el gallo a Dionisio pero éste se niega. Sólo el poder de seducción de “la Caponera” logrará convencerlo. \n\n9 de septiembre \nEl imperio de la fortuna\nDir. Arturo Ripstein \nGuion: Paz Alicia Garciadiego. Historia: Juan Rulfo  \nMéxico \n1985 \nPelícula basada en la novela de Juan Rulfo\, El gallo de oro\, que cuenta la historia de Dionisio\, un hombre humilde que se gana la vida como pregonero\, hasta el día en que le regalan un gallo moribundo que había participado en una pelea\, sin embargo\, en vez de comérselo como le proponen\, decide cuidarlo. A partir de ese momento\, su vida cambiará. La versión Ripstein  de la película el Gallo de Oro. ( 1964\, Roberto Gavaldon). \n\n23 de septiembre \nPaloma herida\nDir. Emilio Fernández  \nGuion: Emilio Fernández\, Juan Rulfo  \nMéxico \n1963 \nTras cometer un asesinato\, la joven Paloma (Patricia Conde) es llevada a la cárcel… y allí recordará los hechos de esclavitud\, explotación y las infamias cometidas contra ella\, su familia y la comunidad de un pueblo guatemalteco.  \n\n30 de septiembre \nPurgatorio\nMéxico \nDir. Roberto Rochín \nGuion: Elías Nahmías\, Tomás Pérez Turrent\, Roberto Rochín. Historia: Juan Rulfo  \n1983 \nEn el México de los años 50\, el país sufre en su paso a la modernidad; Bonfilio encarga a su familia con su padre para irse al Norte a buscar fortuna. Los conflictos entre ellos se resuelven cuando Bonfilio regresa a despedirse por última vez. Lucía\, una prostituta\, y Demetrio\, un sepulturero\, se encuentran una noche en la que el amor sólo será completo cuando Demetrio la entierre. Don Julio\, un viejo hacendado\, se debate entre delirios y remordimientos después de la partida de Cleotilde\, a la cual desposó por conveniencia.  \n* Largometraje compuesto por tres cortos (Paso del Norte\, Pedazo de noche y Después de la muerte) \n 
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LOCATION:Sala Fósforo del Colegio Civil Centro Cultural Universitario\, Colegio Civil s/n\, entre 5 de Mayo y Washington\, Monterrey\, Nuevo León\, C.P. 64000\, Monterrey\, Nuevo León\, Mexico
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SUMMARY:Juan Rulfo a través de la UANL
DESCRIPTION:Especialistas\, académicos y estudiantes de distintas facultades de la Máxima Casa de Estudios dialogan sobre la vida\, obra y legado de Juan Rulfo. \n8 de septiembre  \nLa vida de Juan Rulfo a cargo de la Facultad de Psicología \n\n23 de septiembre  \nLa fotografía de Juan Rulfo a cargo de la Facultad de Artes Visuales \n\n30 de septiembre  \nLa obra literaria de Juan Rulfo a cargo de la Facultad de Filosofía y Letras \n\n4 de noviembre  \nLa fotografía arquitectónica de Juan Rulfo a cargo de la Facultad de Arquitectura \n  \nTodas las mesas de diálogo serán en el Patio Sur del Colegio Civil Centro Cultural Universitario a las 11:00 horas \nEntrada libre
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SUMMARY:Ciclo de cine: México visto desde el extranjero
DESCRIPTION:Cineclub: Ojo Universitario Oriente en primer plano\nCiclo de cine: México visto desde el extranjero \n\nTodas las funciones son para adolescentes y adultos\nJueves del mes\, 19:00 horas. Entrada libre. \n  \n3 de septiembre\nNacho libre (Estados Unidos\, 2006\,100 min)\nDirección: Jared Hess \n10 de septiembre\nShin-Chan en México (Japón\, 2015\, 104 min)\nDirección: Masakazu Hashimoto \n17 de septiembre\nÉrase una vez en México (Estados Unidos\, 2003\, 105 min)\nDirección: Robert Rodríguez \n24 de septiembre\nQue viva México (Rusia-México\,1932\, 84 min)\nDirección: Sergei M. Eisenstein y Grigori Aleksandrov
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SUMMARY:Obra “El dolor es color amarillo”
DESCRIPTION:“El dolor es color amarillo”\, bajo la autoría y dirección de Damián Carreón\n\nLa historia sigue a Víctor\, un hombre consumido por la culpa que intenta escapar de aquello que se niega a admitir\, enfrentándose a la aparición de un ser inquietante: un pájaro que actúa como su conciencia. A través de una confrontación distorsionada con las 5 etapas del duelo\, la obra explora la violencia que ejercemos sobre nosotros mismos y las mentiras que sostenemos para sobrevivir a la nostalgia.\n\n\n\nTexto y dirección: Damián Carreón\n\n\n25 de septiembre de 2026\n20:00 h\nAuditorio del CEIIDA\n\nEntrada libre
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SUMMARY:"Mosaicos de México" con la Compañía Titular de Danza Folkórica de la UANL
DESCRIPTION:Espectáculo “Mosaicos de México” a cargo de la Compañía Titular de Danza Folklórica de la UANL.\nAcompañada por el Grupo Pico de Gallo de la UANL. \n  \nFecha y hora : 27 de septiembre a las 18:00 horas. \nLugar: Teatro Universitario\, Campus Mederos. \nBoletos en taquilla: 50 pesos general \nSin costo para la comunidad universitaria con previo registro aquí
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SUMMARY:Concierto con el Ensamble de Guitarras de la UANL
DESCRIPTION:Aula Magna. Tercera Llamada. 93 Aniversario de la UANL presenta\nConcierto con el Ensamble de Guitarras de la UANL  \nEn colaboración con la Dirección de Desarrollo Cultural Universitario  \n Entrada libre para la comunidad universitaria aquí
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SUMMARY:Espectáculo "Nos han dado la tierra"\, de Juan Rulfo
DESCRIPTION:Concierto/Lectura dramatizada \nNos han dado la tierra\, de Juan Rulfo \nIlustración del cuento: Pablo Rulfo \nEnsamble de Guitarras de la UANL. Director: Arturo Guajardo \nCompañía de Teatro Experimental de la UANL \nDirección general: Janina Villarreal \nEn el marco de Aula Magna. Tercera llamada. 93 Aniversario de la UANL \n  \nEntrada libre. Evento en colaboración con Dirección de Desarrollo Cultural Universitario\, Orquesta Sinfónica de la UANL y Fundación Juan Rulfo. 
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SUMMARY:Concierto homenaje con la OSUANL
DESCRIPTION:Música \nConcierto Homenaje a Juan Rulfo con la Orquesta Sinfónica de la UANL \nEn el marco de su 40 aniversario luctuoso \nDirector artístico: Eduardo Diazmuñoz \nCooperación: $150 entrada general. A la venta próximamente en boletia.com  \n  \nPrograma\n  \n  \nCarlos Chávez                     Obertura Republicana (Chapultepec) \nAntonio Juan Marcos                                       Canto de Macario* \nJosé Pablo Moncayo                                                      Sinfonietta  \n– – – – – – – – – – I N T E R M E D I O – – – – – – – – – – \nJosé Luis Wario Díaz                    Comala y la media luna  \nCuatro piezas para orquesta\nI. Larghetto\nII. Allegro\nIII. Largo\nIV. Solemne – Andante \nMiguel Bernal Jiménez                                             Angelus \nMacedonio Alcalá                                   Dios Nunca Muere \nOrquestación: Manuel Enríquez\n* Estreno en Monterrey\n* * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * \nPROGRAMACIÓN SUJETA A CAMBIOS \n\nNOTAS A LAS OBRAS\nPor Juan Arturo Brennan\nCARLOS CHÁVEZ (1899-1978)\nObertura republicana (Chapultepec)\nMarcha provinciana\nVals nostálgico\nCanción de Adelita \nLa siguiente afirmación puede parecer temeraria\, pero no carece de ciertas bases: más que el Zócalo (plaza central de la capital mexicana) o cualquier punto de la geografía urbana\, es Chapultepec el verdadero centro histórico\, ombligo inmemorial de la Ciudad de México. A través de Chapultepec\, México ha vivido etapas enteras\, importantes\, de su historia: fundaciones y conquistas\, intervenciones e imperios\, jornadas heroicas y reformas. Hoy en día\, Chapultepec sigue estando en el centro de la actividad y el pensamiento de los habitantes de la capital mexicana; en Chapultepec se vuelcan importantes consideraciones sobre ecología\, arte popular\, espacios verdes\, traza urbana\, etc. Mucho tiempo ha transcurrido entre la llegada de los antiguos mexicanos al Cerro del Chapulín y la inauguración de la feria con sus juegos mecánicos\, pero todo ese tiempo sólo ha servido para dar mayor relieve a la importancia histórica que Chapultepec tiene para los mexicanos de hoy. Con las debidas distancias en historia\, kilómetros y significados bien guardadas\, el hecho de que un importante compositor mexicano haya compuesto música sobre Chapultepec equivale\, por ejemplo\, a la existencia de la pieza sinfónica que el compositor estadunidense Charles Ives (1874-1954) escribió sobre el Parque Central de Nueva York\, titulada Central Park in the dark. \nChapultepec fue escrita por Carlos Chávez en 1935 y su título original fue el de Obertura republicana. En ese mismo año\, Chávez realizó una versión de la obra para banda\, y en el momento de la publicación de esta versión\, en 1963\, el autor cambió el título a la pieza\, quedando definitivamente como Chapultepec. A pesar de ello\, el título más usado actualmente es el de Obertura republicana\, quizá para evitar confusiones con el Chapultepec de Manuel M. Ponce (1882-1948). Esta obra es una sencilla orquestación de tres piezas mexicanas muy populares: la Marcha Zacatecas de Genaro Codina (1852-1901)\, el vals Club Verde de Rodolfo Campodónico (1866-1926) y la conocida canción revolucionaria La Adelita. A cada parte de la obra\, Chávez puso un título: Marcha provinciana\, Vals nostálgico y Canción de Adelita. Decía el compositor respecto a esta obra:\nLa idea de esta pieza fue tan sólo instrumentar decorosamente unas piezas populares de cierto carácter para llevarlas al salón de concierto. Por lo demás\, las marchas mexicanas de esa época no podían ser cosa muy distinta de las francesas y austriacas y lo mismo puede decirse en general de los valses\, aunque el usado aquí tiene carácter bastante mexicano. Estas tres piezas corresponden a cierta época y pueden\, en el fondo\, tener cierta unidad de estilo. Es claro que les di un tratamiento contrapuntístico y armónico a mi gusto. No se piense que al presentar hoy esta pieza bajo el nombre de Obertura se pretende dar a este vocablo su acepción formalista He escogido este nombre porque la palabra misma suena bien. Por lo demás\, la obra\, en su forma particular\, es un proceso de la marcha gallarda al vals sentimental de nuestra vida republicana\, que se resuelve en el canto porfiado\, obstinado y belicoso de nuestra última revolución. \nLa versión original para orquesta de la Obertura Republicana (Chapultepec) fue estrenada el 18 de octubre de 1935 en el Teatro de Bellas Artes de la Ciudad de México con el propio Chávez al frente de la Orquesta Sinfónica de México. \n\n  \nANTONIO JUAN-MARCOS (1979)\nCanto de Macario \nUno de los atractivos fundamentales que tienen para nosotros la figura y el legado del gran escritor (y fotógrafo\, y editor) que fue Juan Rulfo (1917-1986) es el hecho de que\, habiendo sido la suya una producción tan parca\, haya ejercido y siga ejerciendo una influencia tan profunda y duradera en nuestro entorno cultural\, a través de su presencia\, directa o indirecta\, en el teatro\, el cine\, la música\, la ópera\, y la literatura misma. Uno de los ejemplos más recientes es la pieza sinfónica Canto de Macario\, del compositor mexicano Antonio Juan-Marcos\, basada en uno de los cuentos de ese indispensable volumen que es El Llano en llamas (1953). He aquí la nota preparada por el compositor para el estreno de esta partitura suya: \nEn el cuento Macario de Juan Rulfo\, ocurren muchas cosas y a la vez parece que no sucede nada. El relato no nos cuenta una historia con una narrativa convencional\, sino que nos introduce al mundo interno de Macario\, un personaje complejo y difícil de descifrar. De él no conocemos ni su edad ni sus rasgos físicos\, pero podemos percibir que tiene una discapacidad mental que afecta su percepción del mundo. La estructura del cuento es circular: comienza y termina con Macario esperando que salgan las ranas para aplastarlas\, ya que no dejan dormir a su tía. Mientras espera\, Macario nos cuenta su vida.  \nA través de su monólogo\, podemos ver una existencia difícil en un pueblo empobrecido\, donde un ambiente de violencia y tensión\, emanada de la pobreza y marginación\, anticipa la Revolución Mexicana. Además\, el monólogo revela aspectos profundos de su psicología y emociones. Diversos detalles del cuento nos indican que Macario es un adulto\, aunque conserva una inocencia infantil. Su vida oscila entre su amor por Felipa\, la violencia que sufre de los habitantes del pueblo\, y su fascinación por el sonido de un tambor imaginario que lo centra a pesar del caos de sus emociones internas y la violencia externa. \nEn Canto de Macario\, busco captar una expresión sonora del complejo y rico mundo interior de Macario\, así como del ambiente de un pueblo marginado y hostil. Hay en esta pieza una pluralidad de elementos: un tema (cuya melodía aparece por primera vez en la flauta)\, que evoca la inocencia del personaje\, una progresión armónica sobre la cual un solo de violín nos remite al amor de Macario hacia Felipa\, así como la incorporación de elementos melódicos y rítmicos de música del folclor mexicano. \nEn cuanto al folclor\, hago referencias de la música de chirimía\, que es tanto un instrumento como un género musical que se toca con la chirimía y un tambor. Macario se inspira en esta música para su tambor imaginario. Otro elemento folclórico es la canción revolucionaria El Barzón\, que se transforma y recontextualiza en mi pieza. El Barzón me provoca una sensación irónica y algo ácida\, la cual intento mantener. Canto de Macario también hace un uso significativo de las percusiones\, describiendo a veces los sonidos de la naturaleza\, otras veces reflejando el mundo exterior amenazante\, y a veces representando ese tambor interior que ayuda a Macario a tener un centro emocional en medio de una existencia confusa. \nHay piezas que forman toda su arquitectura a partir de un solo elemento constructivo y hay piezas que forman su construcción a partir de una pluralidad de elementos musicales. Canto de Macario pertenece a este segundo grupo. La diversidad de elementos es parte intrínseca de su carácter\, así como también lo es la construcción armónica y toda una serie de estrategias para crear unidad y coherencia entre los diferentes materiales musicales. La pieza navega entre la evocación de la naturaleza\, la inocencia\, el amor\, la violencia\, el caos exterior y la tentativa del orden interior del personaje. Cada elemento lleva su canto\, sus pulsaciones\, su temporalidad. Navega tal como lo hace nuestro personaje. Pienso que Macario es un reflejo\, condensado en un pequeño cuento de unas cuantas páginas\, de la experiencia humana. Mi pieza trata de hacer sonoras las sensaciones de la experiencia de Macario: a veces una herida\, a veces gozo y otras veces asombro. \nComo complemento a este texto suyo\, el compositor comenta que en la nutrida sección de percusiones ha incluido instrumentos como el huéhuetl y las maracas para impartir a la pieza algunas pinceladas regionales. Juan-Marcos afirma también que\, si bien no hay en Canto de Macario una expresión nacionalista\, será posible que el oyente perciba ciertos rasgos sonoros de mexicanidad. \nEl encargo de esta pieza a Antonio Juan-Marcos surgió de una conversación sobre música y literatura que tuvo con Carlos Miguel Prieto\, director artístico de la Orquesta Sinfónica de Minería\, en el contexto de la presentación de la orquesta en el Mondavi Center de la Universidad de California en Davis en el año 2023. El compositor redactó la obra en los primeros meses de 2024 entre Castro Valley (California) y Miami. Canto de Macario recibe su estreno absoluto el 6 de julio de 2024\, como obra de apertura del primer programa de la temporada\, con la Orquesta Sinfónica de Minería dirigida por Carlos Miguel Prieto\, a quien está dedicada la partitura. Un siguiente hito importante en la trayectoria de Antonio Juan-Marcos es el lanzamiento\, hacia el fin de 2024\, de su primer disco monográfico de música vocal\, con la casa discográfica estadounidense Parma Recordings. \n\n  \nJOSÉ PABLO MONCAYO (1912-1958)\nSinfonieta \n¡Extra! ¡Extra! ¡Entérese sin tener la vista fija! ¡Noticia de no tan última hora! José Pablo Moncayo\, compositor jalisciense nacido en Guadalajara y muerto en la ciudad de México\, sí compuso más música que el ubicuo y famosísimo Huapango. Ahora usted podrá decir que lo leyó aquí antes que en ninguna otra parte. Para muestra de que Moncayo no es sólo el Huapango\, va una incompleta relación de algunas de sus otras músicas:\n– Amatzinac\, para flauta y cuerdas\n– Hueyapan\n– Cumbres\n– Llano alegre\n– Muros verdes\, para piano\n– Sinfonía\n– Sonatina para violín\n– Sonatina para violín y piano\n– Romanza para violín\, violoncello y piano\n– Sonata para violín y violoncello\n– La mulata de Córdoba\, ópera\n– Tierra de temporal\n– Homenaje a Cervantes\n– Tres piezas para orquesta \nDespués de este breve e incompleto recuento\, se impone la pregunta: ¿cómo es posible que cedamos con tanta frecuencia a la tentación de enloquecer con el Huapango y nunca nos preocupemos por el resto de la producción de Moncayo? ¿Será el triste destino de este compositor pasar a la historia como uno de tantos músicos “de una sola obra”? La posibilidad de situar a Moncayo en el centro mismo del pensamiento musical nacionalista queda más allá de toda duda. A su propia vocación por lo nacional hay que añadir\, de modo importante\, su contacto académico con Carlos Chávez (1899-1978) y Candelario Huízar (1883-1970). Más tarde\, Moncayo une sus esfuerzos musicales a los de Blas Galindo (1910-1993)\, Salvador Contreras (1910-1982) y Daniel Ayala (1906-1975) para formar el notorio Grupo de los Cuatro\, cuyo guía espiritual fue Carlos Chávez. En el caso de Moncayo\, la relación con Chávez fue más allá de lo académico: durante más de una década\, a partir de 1932\, Moncayo estuvo asociado con el trabajo de la Orquesta Sinfónica de México. Primero\, como pianista y percusionista; después como subdirector del conjunto; finalmente\, como su director artístico. \nFue precisamente para una de las temporadas de la Orquesta Sinfónica de México que Moncayo escribió su Sinfonieta\, terminando la partitura el 3 de julio de 1945\, con el estreno previsto para el día 13 del mismo mes. Paréntesis retórico: ¿cuántos de los buenos compositores mexicanos de hoy tienen la fortuna de que sus obras sean estrenadas diez días después de terminadas? A veces pasan diez años… Para volver a Moncayo después de esta digresión\, se impone un rápido vistazo a los programas de la Orquesta Sinfónica de México a mediados de la década de los 1940. Ahí es posible encontrar el programa de mano correspondiente al programa número 9 de la temporada número 18 de la orquesta. La fecha\, 13 de julio de 1945. El lugar\, el Teatro de Bellas Artes\, donde la orquesta estrena la Sinfonieta bajo la dirección del compositor. El resto del programa\, típico de aquellos tiempos: la Sarabanda de La hija de Cólquide de Carlos Chávez; Pedro y el lobo de Sergei Prokofiev (1891-1953); las Cinco piezas Op. 10 de Arnold Schoenberg (1874-1951); y El pájaro de fuego de Igor Stravinski (1882-1971). Y si de hacer un poco de historia se trata\, bien vale la pena recordar aquí que por aquella época la Sinfónica de México estaba llena de personajes importantes de nuestra música. El titular era Chávez; el subdirector era Moncayo; el director ayudante\, Blas Galindo. Y al interior de la orquesta era posible hallar a Armando Lavalle (1924-1994) en la sección de violas y a Candelario Huízar como bibliotecario. \nEl caso es que esa noche de julio de 1945 se estrenó la Sinfonieta de Moncayo\, obra que no dejó de causar cierta sorpresa entre el público y entre algunos músicos. Cuatro años antes se había estrenado el Huapango con un éxito rotundo e imperecedero\, por lo que el público esperaba de la Sinfonieta otra colección de tonadas fáciles y pegajosas. En cambio\, Moncayo propuso en esta obra un discurso musical menos folklórico y más universal. Mexicano\, sí\, pero no necesariamente mexicanista. Uno de los elementos sorpresivos de la Sinfonieta está en el principio mismo de la obra\, y fue bien señalado por Francisco Agea en sus notas al programa del estreno: un inicio sincopado que recuerda la música popular de los Estados Unidos. ¡Nada más eso faltaba\, que este ilustre huapanguero se convirtiera en un adorador del ragtime! El público\, sin embargo\, no se molestó en absoluto; se concretó a sorprenderse y luego a aplaudir con respeto la pieza de Moncayo\, quizá con cierta decepción al no hallar en esta obra un ámbito sonoro similar al del Huapango. Como su nombre lo indica\, una Sinfonieta es una sinfonía chica\, no muy grande\, planeada según los parámetros del quehacer sinfónico (léase forma sonata) pero en una dimensión menor. La de Moncayo\, por ejemplo\, se desarrolla en tres movimientos ininterrumpidos (allegro-lento- allegro)\, donde el tercero es una reexposición del primero. Y como no faltará algún despistado que insista en que una Sinfonieta es un concepto musical de origen italiano\, vale la pena aclarar esto: lo único que de italiano tiene la Sinfonieta como forma musical es el nombre. Es bien sabido que\, a pesar de muchas otras riquezas musicales indiscutibles\, en Italia nunca se dio el sinfonismo con la generosidad que surgió en otras latitudes. Así\, parece que el primero en utilizar el término Sinfonieta para una obra musical fue Nikolai Rimski-Korsakov (1844-1908)\, en 1880. Después de él\, muchos otros compositores se han amparado bajo la forma y el título de la Sinfonieta: Max Reger (1873-1916)\, Sergei Prokofiev\, Leoš Janáček (1854-1928)\, Benjamin Britten (1913-1976)\, Walter Piston (1894- 1976)\, Francis Poulenc (1899-1963)\, Paul Hindemith (1895-1963)\, Ernst Krenek (1900- 1991)\, Lennox Berkeley (1903-1989)\, Darius Milhaud (1892-1974)\, Bohuslav Martinů (1890- 1959)\, etc. Así pues\, con la audición de esta Sinfonieta mexicana\, hoy quedará usted plenamente convencido de que Moncayo sí compuso algunas otras músicas que bien vale la pena escuchar\, además del sabroso Huapango\, y de que no toda su música se presta tan idealmente a la emoción patriótica y el aplauso fácil. Nota lingüística: a la italiana\, se escribe Sinfonietta; a la española\, Sinfonieta. Ambas versiones son válidas\, dependiendo del gusto de cada compositor. \n\n  \nJOSÉ LUIS WARIO DÍAZ (1936-2026)\nComala y la Media Luna\nLarghetto\nAllegro\nLargo\nSolemne – Andante \nNo sería del todo descabellado afirmar que en el ámbito de la mitología literaria mexicana el árido y misterioso pueblo de Comala ocupa un lugar semejante al que ocupa Macondo en el imaginario colombiano. En efecto\, Comala en Juan Rulfo (Pedro Páramo\, 1955) y Macondo en Gabriel García Márquez (Cien años de soledad\, 1967) se han convertido en íconos imperecederos de sus respectivas culturas\, que rebasan por mucho la cualidad de meras locaciones en las que ocurren las peripecias de las respectivas novelas. Una de las numerosas consecuencias de ese valor mítico de Comala y Macondo es la cantidad y variedad de obras de arte que se han dedicado a estos dos pueblos latinoamericanos y a los inmortales personajes que los habitan. \nEntre los compositores mexicanos que han dedicado música a Rulfo\, su mundo y sus personajes se encuentra José Luis Wario Díaz quien\, habiendo nacido en Lagos de Moreno\, se afincó definitivamente en Monterrey. Además de la composición\, el canto y el piano fueron sus vehículos primordiales de expresión musical. En el ámbito específico del canto\, destacan sus estudios formales de canto gregoriano\, realizados en la Escuela Superior de Música Sacra de Morelia. A lo largo de su trayecto académico\, Wario Díaz fue alumno de Radko Tichavsky\, Jesús Carreño\, Nicandro Tamez\, Ramiro Guerra y Bonifacio Rojas. Entre los datos significativos de su carrera como compositor se encuentran los premios y reconocimientos que recibió por sus composiciones y por los méritos de su carrera\, a saber:\n– 1993: Comala y la Media Luna\, primer premio en el concurso convocado por la Facultad\nde Música y la Orquesta Sinfónica de la Universidad Autónoma de Nuevo León.\n– 1995: Romances de las ausencias\, segundo lugar en el Concurso Nacional de\nComposición del Instituto Mexiquense de Cultura.\n– 1996: A solas\, segundo lugar en el Concurso Anual de Composición del Consejo para la\nCultura de Nuevo León.\n– 2023: Concierto-homenaje en el Centro de las Artes de CONARTE.\n– 2025: Medalla al Mérito Artístico Colegio Civil Centro Cultural Universitario \nEl perfil profesional de José Luis Wario Díaz se complementa con sus actividades docentes y el trabajo que realizó en la organización y dirección de instituciones corales. La obra Comala y la Media Luna de Wario está organizada como una serie de cuatro piezas para orquesta en las que destaca el contraste de expresiones y estados de ánimo. Si bien la continuidad de las piezas no sigue el modelo sinfónico tradicional\, ese contraste dialéctico permitiría pensar en Comala y la Media Luna como una breve y compacta sinfonieta. En estas cuatro piezas de espíritu rulfiano\, la escritura orquestal de Wario es clara y transparente y transita entre una cierta austeridad armónica y momentos claramente tonales; es posible percibir aquí y allá algunos discretos apuntes de nacionalismo. La obra ofrece al oyente\, como es de esperarse considerando la fuente de inspiración\, algunos momentos de tensión y misterio. Después de todo\, Comala y sus habitantes pertenecen en buena medida al mundo de los fantasmas. No está de más recordar que la Media Luna es el nombre de la hacienda que posee Pedro Páramo en la novela de Rulfo; de ahí que se conozca al personaje como “el hombre de la Media Luna”.\nEn agosto de 2002\, la Orquesta Sinfónica de la Universidad Autónoma de Nuevo León\, bajo la dirección de Félix Carrasco\, grabó Comala y la Media Luna\, obra que fue incluida en un disco compacto dedicado a compositores de Nuevo León que contiene también sendas obras de Paulino Paredes\, Silvino Jaramillo\, Hernán Palma y Meza\, José Hernández Gama\, Radko Tichavsky y Armando Villarreal. \n\n  \nMIGUEL BERNAL JIMÉNEZ (1910-1956)\nAngelus \nDesde el punto de vista de la orientación de su música\, Miguel Bernal Jiménez no es un músico difícil de descifrar\, ya que en su pensamiento musical pueden distinguirse a simple vista (o a simple oído) dos grandes líneas de conducta: la religiosa y la nacionalista. Y si fuera necesario decidir cuál de las dos predominó en su trabajo como compositor\, habría que señalar sin duda la vertiente religiosa\, que está marcada en su biografía desde muy temprano. \nNacido en Morelia\, Bernal Jiménez entró en contacto con la religión y su música cuando aún era niño. Sus primeros maestros fueron Felipe Aguilera Ruiz e Ignacio Mier y Arriaga\, y gracias a las recomendaciones de ellos\, fue enviado a estudiar al Instituto Pontificio de Música Sagrada en Roma\, donde se especializó en órgano\, canto gregoriano y composición. A su regreso a México\, Bernal desarrolló una intensa actividad en el mundo de la música\, tanto en la enseñanza como en la investigación y la creación. Fundó el Conservatorio de Morelia\, haciendo renacer la gran tradición musical de la antigua Valladolid\, representada en el añejo Conservatorio de Las Rosas. Su interés por esa tradición musical lo llevó a investigar asiduamente todo lo concerniente a la música de Morelia\, y así descubrió\, precisamente en Las Rosas\, el que es considerado como el primer archivo musical de América. En ese archivo\, Bernal encontró una buena cantidad de música vocal y coral\, y algunas interesantes piezas orquestales de Antonio Sarrier\, Antonio Rodil y Francisco Moratilla. \nEn el año de 1939 Bernal publicó Morelia colonial\, un compendio de sus descubrimientos musicológicos en su ciudad natal. A su trabajo como compositor y sus labores de investigación\, Bernal sumó su dedicación en el campo de la difusión de la música\, fundando la revista Schola Cantorum y la Sociedad de Amigos de la Música. Su trabajo pedagógico trascendió las fronteras de México\, al ser invitado a formar parte del cuerpo docente de la facultad de música de la Universidad de Loyola en Nueva Orleans y del consejo directivo de la Orquesta Sinfónica de Nueva Orleans. Respecto a su muerte\, es posible hallar inexplicables discrepancias en distintas fuentes. En su libro Músicos mexicanos (Editorial Diana\, México\, 1965) Hugo de Grial afirma que la muerte de Bernal ocurrió en Nueva Orleans. Otras fuentes mencionan que murió en Nuevo León\, aunque la realidad del asunto es que falleció en la ciudad de León\, Guanajuato\, por la que estaba de paso durante una gira que lo había traído de regreso desde Nueva Orleans. No deja de ser una triste muestra del estado precario de nuestra musicología el hecho de que existan discrepancias de este calibre respecto a la biografía de un músico mexicano reciente e importante. \nEl caso es que a lo largo de su vida y dentro de su pensamiento musical\, Bernal Jiménez estuvo siempre muy cerca de la religión. Una mirada a su catálogo indica\, sin duda alguna\, que la mayor parte de sus obras nacen directa o indirectamente de una inspiración religiosa. Su Angelus para orquesta es una buena prueba de ello. En su sentido religioso original\, el Angelus es un rito devocional que se observa en memoria de la Encarnación. Suele recitarse tres veces al día\, a las seis de la mañana\, a las doce del día y al sonar la campana del Angelus a las seis de la tarde. La forma más simple de este rito puede hallarse ya en el siglo XII\, pero su uso común data del siglo XVII. Como referencia a la cercanía de la religión con las artes\, vale la pena mencionar la famosa pintura de François Millet (1814-1875) titulada El Angelus\, en la que se puede ver a una pareja de campesinos franceses que han suspendido sus labores al atardecer para dedicar unos momentos a la meditación\, convocados sin duda por el tañido de las campanas de la iglesia que se ve al fondo de la pintura. \nEl Angelus fue escrito originalmente en 1943 para órgano o armonio\, y el compositor acotó lo siguiente sobre la pieza: \nLa oración vespertina\, acompañada del tañer de campanas y sonar de cánticos apacibles\, bucólicos y nostálgicos. \nLa versión orquestal del Angelus es una de las últimas partituras sinfónicas terminadas por Bernal Jiménez\, entre 1954 y 1955. \n\n  \nMACEDONIO ALCALÁ (1831-1869)\nDios nunca muere \nOriginario de la ciudad de Oaxaca\, Macedonio Alcalá hizo sus primeros estudios musicales en una pequeña escuela de su ciudad natal\, que había sido fundada por José Domingo Martínez. Tuvo dos hermanos que\, como él\, se iniciaron en el estudio de la música: Nabor y Bernabé\, ninguno de los cuales alcanzó la fama y el prestigio de su hermano. Hay indicios de que el gobierno oaxaqueño le ofreció ayuda económica e institucional para estudiar en la Ciudad de México\, pero nada se sabe de sus andanzas académicas. \nTeniendo alrededor de 20 años de edad\, dirigió un conjunto instrumental con el que se ganaba la vida tocando en diversas funciones sociales y religiosas. Como ejecutante se dedicó principalmente al violín\, pero al parecer dominaba también otros instrumentos. Sus aptitudes musicales lo llevaron a convertirse en director de la Banda de Música del Estado de Oaxaca. En 1860\, Macedonio Alcalá y sus hermanos formaron parte de la recién fundada Sociedad Filarmónica Santa Cecilia. En los años siguientes\, su vida personal y profesional tomó caminos azarosos. Huyendo de las inestables condiciones políticas y económicas de la ciudad de Oaxaca\, se marchó a Yanhuitlán\, y desempeñó diversas labores musicales en la región mixteca. Se sabe que trabajó como maestro en una hacienda en Tlaxiaco\, pero sus proyectos no prosperaron\, y debió volver a la capital del estado\, donde su salud se deterioró y le impidió trabajar en su oficio. \nAlrededor de su pieza más conocida\, el vals Dios nunca muere\, se ha tejido una leyenda de alto contenido melodramático. Esta leyenda cuenta que la situación personal y musical de Alcalá llegó a extremos tales que algunos de sus amigos y colegas de la Sociedad Filarmónica de Santa Cecilia tuvieron que encargarse de su manutención y cuidado. Pocos días antes de su muerte\, al parecer en agradecimiento por la generosidad que le fue mostrada\, compuso Dios nunca muere\, cuyo manuscrito dedicó y entregó a un amigo cercano\, el flautista José Maqueo (algunos afirman que era su compadre)\, quien se encargó de difundirlo. Sin embargo\, Bernabé Alcalá\, uno de los hermanos de Macedonio\, quiso aprovecharse de la fama y popularidad de este vals y lo hizo publicar a su nombre\, sin duda con el objeto de obtener algunas pingües regalías. Tiempo después\, los miembros de la Sociedad Filarmónica Santa Cecilia corrigieron el atraco y publicaron la pieza bajo el nombre de Macedonio Alcalá. Al paso del tiempo\, Dios nunca muere se convirtió en una especie de himno local oaxaqueño\, y se convirtió en pieza favorita del presidente Porfirio Díaz\, quien lo adoptó como parte del repertorio oficial de las celebraciones anuales de la Independencia de México. \nPregunta: ¿alguien más en este país ha escuchado alguna otra obra de Macedonio Alcalá? Es poco probable\, y el asunto es un tanto misterioso. ¿Será que compuso muy poca música y ésta se perdió después de su muerte? Algunos de sus defensores explican que Alcalá tocaba sus obras\, pero que no se tomaba el trabajo de escribirlas y que\, además\, trabajaba sobre todo la improvisación. De todo esto\, nadie ha podido dar o difundir una explicación cabalmente satisfactoria. El caso es que en Oaxaca se venera mucho la memoria de Macedonio Alcalá\, y el teatro más importante de la capital del estado lleva su nombre.
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